Les 50 meilleurs albums de 2020

Illustration : Rae Pozdro pour NPR

Les meilleurs albums de 2020 de NPR.'s Best Albums Of 2020.

Illustration : Rae Pozdro pour NPR

À certains moments, 2020 semblait être une année qui pourrait ne jamais se terminer. Maintenant qu’elle est en grande partie dans notre rétroviseur, une rétrospective peut-elle donner une forme à cet essaim de semaines et de mois ? Pouvons-nous donner un sens aux couches successives de peur, de colère, de frustration, de confusion, d’exaltation et d’épuisement qui se sont accumulées comme de la terre tombant sur nos têtes ? Parfois, c’est l’art qui perce. Il est préférable de considérer la meilleure musique de 2020 comme une cacophonie urgente de voix distinctes plutôt que comme un chœur à la mélodie unique. De nombreuses voix, avec de nombreuses histoires à raconter. Voici les 50 meilleurs albums d’une année différente de toutes celles dont nous nous souvenons. (Retrouvez notre liste des 100 meilleures chansons de 2020 ici.)

Les 50 meilleurs albums de 2020 :
50-41 / 40-31 / 30-21 / 20-11 / 10-1

Victoria Monét, Jaguar

Tribu

Victoria Monét

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Même si ses paroles ont rythmé la vie des fans de pop pendant des années, Victoria Monét commence tout juste à obtenir son dû. Cette jeune femme de 27 ans, dont les compositions ont été couronnées de platine et qui est surtout connue pour être l’une des plus proches collaboratrices d’Ariana Grande, peut enfin déployer sa force artistique en toute indépendance. Une pluie de cuivres et de guitares électriques colorent Jaguar de funk et de disco onctueux, tandis que Monét garde le rythme avec des refrains insolents et des breaks fulgurants. Avec l’aide du pro de la production D’Mile et des allusions nonchalantes à ses anciens amants, hommes et femmes, Monét touche à toutes les bases de la luxure, de l’amour et du désir, tout en gardant son point de vue et ses pensées cochonnes sans filtre. Le morceau phare de l’album, « Touch Me », est l’exemple même de la signature de Monét en matière d’écriture : des blagues intimes et des doubles sens alléchants, le tout enveloppé dans une mélodie décalée. C’est un espace sûr. -Sidney Madden

Ambrose Akinmusire, on the tender spot of every calloused moment

Blue Note

on the tender spot of every calloused moment

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Qu’est-ce que cela signifie lorsque le trompettiste-compositeur improvisateur Ambrose Akinmusire fait référence à son dernier triomphe, on the tender spot of every calloused moment, comme un album de blues ? Il ne parle pas d’une forme à 12 mesures ou d’un genre, mais plutôt d’un point de vue. Chaque morceau de cette œuvre dynamique et formellement audacieuse témoigne de la résilience de l’esthétique du blues – ce que le critique culturel Albert Murray (en s’inspirant de Kenneth Burke) appelait « l’équipement pour vivre ». De plus, Akinmusire a placé la barre très haut pour son groupe exceptionnel, composé de Sam Harris au piano, Harish Raghavan à la basse et Justin Brown à la batterie. Leur cohésion et leur élasticité désintéressées parlent de la tâche qui nous attend avec autant de force que la parenthèse dégrisante du dernier morceau d’Akinmusire, un chant funèbre qu’il joue seul sur son Fender Rhodes : « Procession encapuchonnée (lisez les noms à haute voix) ». -Nate Chinen (WBGO)

Code Orange, Underneath

Roadrunner

Code Orange

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Code Orange ne se laissera pas abattre. Sorti le 13 mars, quelques jours après la mise en quarantaine d’une grande partie des États-Unis, le métal liquide d’Underneath a servi de bande sonore à une catharsis en fusion de confusion et de rage. Le groupe a redirigé son énergie meurtrière vers des concerts virtuels denses sur le plan conceptuel et visuel, reflétant de nombreux thèmes présents dans le chaos déchaîné de l’album : les relations toxiques, l’inauthenticité et – ironiquement, tragiquement – l’isolement technologique. La performance en direct est le champ de bataille de Code Orange, mais Underneath expérimente les compétences techniques des musiciens comme un projet de studio à la sonorité éclatante. Chaque texture visqueuse, chaque battement de boîte à rythmes industrielle, chaque breakdown glitché, chaque bâillement guttural et chaque riff dément – sans parler des explorations mélodiques méchantes – a sa place dans cette architecture changeante. -Lars Gotrich

Maria Schneider Orchestra, Data Lords

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Maria Schneider Orchestra

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Il est logique que Data Lords ne puisse pas être entendu sans effort – l’œuvre entière est, parmi beaucoup d’autres choses, un réquisitoire contre la froide centralité de la technologie dans nos vies et la « facilité d’accès » à la culture qu’elle a fait un droit de naissance apparent. Lors de la première de la pièce titre de l’album en 2016, Schneider a expliqué : « Au fur et à mesure que j’écrivais, ce son – je ressentais cette sorte de son séduisant avec cette intensité en dessous… et j’ai commencé à avoir l’impression que c’était le big data, nous séduisant, nous hypnotisant dans la beauté de tout avoir, alors que ces entreprises de big data collectent des informations. » Ce tumulte existentiel est exploré avec acuité et peut-être un peu d’incrédulité dans la première moitié de l’album, « The Digital World », puis est égalé par le sursis pastoral de la deuxième face de l’album, « The Natural World ». À une époque de collecte d’informations à la hauteur de Babel, on a souvent l’impression que le seul moyen de s’y retrouver est d’écouter. -Andrew Flanagan

Katie Pruitt, Attentes

Rondeur

Attentes

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Une partie indispensable de la croissance est ce moment où une nouvelle expérience – une histoire, une image, une personne – met sa première fissure dans la fondation de votre vision du monde. À travers 10 titres, le premier album de Katie Pruitt, Expectations, est une excavation de toutes ces fractures et du treillis qu’elles laissent derrière elles. L’auteure-compositrice-interprète homosexuelle de 26 ans déconstruit l’idée de qui elle devrait être telle qu’elle lui a été transmise par sa famille (« Georgia »), son école catholique (« Loving Her »), Hollywood (« Wishful Thinking ») et le Sud (« Normal »). C’est beaucoup de choses à condenser dans un seul album, mais il y a un sentiment de dynamisme dans ces chansons, grâce à la voix de diamant de Pruitt, à ses tournures de phrases mordantes et à ses arrangements magistraux. De l’autre côté des attentes de chacun, Pruitt apparaît comme l’auteur audacieux de son propre avenir. -Cyrena Touros

Run The Jewels, RTJ4

Jewel Runners

Run The Jewels

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RTJ4 s’ouvre en nous lâchant au milieu d’une zone de guerre de film d’action. Sur un break de batterie vicieusement distordu, « Yankee and the Brave » trouve le duo de Killer Mike et El-P se vantant, se vantant et sonnant l’alarme. Au milieu de la chanson, le récit se coupe sur Killer Mike dans un face-à-face armé avec la police, essayant de décider s’il doit se tuer ou sortir les armes à feu. « Il me reste une balle, 100 flics dehors », rappe-t-il. « Je ne peux pas laisser les porcs me tuer, j’ai trop de fierté. Et je le pensais quand je l’ai dit, ne me prenez jamais vivant. » Avec ses rythmes lourds, son sens de l’humour cru et quelques apparitions remarquées d’invités de passage (Gangsta Boo, 2 Chainz, Mavis Staples, Zack de la Rocha et bien d’autres), RTJ4 est une grande et forte méditation sur l’absurdité brutale de la vie américaine, peinte à grands traits. -John Morrison (WXPN)

Dua Lipa, Future Nostalgia

Warner

Future Nostalgia

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La révérence pour un moment passé qui nous lie est juste là dans le titre du deuxième album de Dua Lipa, le genre de disque qu’un artiste ne peut faire qu’une fois que l’appréciation historique devient une considération légitime. Comment pouvons-nous nous souvenir de Future Nostalgia une fois que nous avons établi une distance bénie avec 2020 ? Que dire de ceci : Une cascade palpitante de références manipulées avec expertise à 45 ans de sons pop, qui ne semble ni testée par le marché ni maniaque parce que son créateur les a compilées et arrangées avec tant de soin. Comme l’une de ces entrées de Wikipedia qui est clairement l’œuvre d’un joyeux obsessionnel, Future Nostalgia est exactement le genre de produit supposé éphémère qui dure parce qu’il parvient à transmettre la confiance, le charme, le plaisir et la fierté de sa propre existence. Des attributs à adorer en cette année et en toute autre année future où nous pourrions les rencontrer. -Jacob Ganz

Flo Milli, Ho, Why Is You Here?

RCA

Ho, why is you here ?

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Comme une véritable avant-garde virale de la génération Z, Flo Milli n’a pas besoin de beaucoup pour impressionner. En fait, dans un écosystème rap sursaturé, c’est la simplicité qui permet au rappeur de Mobile, Ala. de se démarquer. Comme l’indique son titre rhétorique, le premier album de Flo Milli, Ho, why is you here ? est 30 minutes d’un discours qui flatte l’ego et fait claquer les dents. De son tube « Beef FloMix » à « Pussycat Doll », la jeune femme de 20 ans rime sur des rythmes clairsemés – le genre de rythmes que l’on pourrait facilement imiter sur une table de cafétéria – afin de faire résonner chaque affront venimeux et chaque superlatif brillant. La divergence notable par rapport à sa formule habituelle est « Weak », une ode magistrale et nouvelle génération au classique de SWV de 1992 qui renverse le scénario sur les mecs au cul faible qui lui font perdre son temps et ses données : « Ecoute, tu peux continuer à faire le maquereau, maintenant je vais savoir que je te manque / J’avais l’habitude d’envoyer des textos pour dire ‘good mornin’, maintenant tu as arrêté d’être incohérent ». Comme le claquement fouetté des doubles cordes dutch sur le béton, la clé pour que Flo Milli attrape son rythme est la précision, le timing et, surtout, le cran. Il ne reste plus qu’à s’assurer que le momentum correspond à son potentiel. -Sidney Madden

Lianne La Havas, Lianne La Havas

Warner

Lianne La Havas

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Pendant son adolescence, Lianne La Havas avait l’habitude d’écouter Radiohead sur son lecteur MP3 en forme de rein pendant ses trajets dans Londres. Plus de dix ans plus tard, elle a repris « Weird Fishes », extrait de l’album In Rainbows (2007) du groupe, en une seule journée, lors de sa première session d’enregistrement avec son propre groupe. Six mois plus tard, ils ont terminé le reste de l’album. Un travail rapide, si l’on considère que La Havas a passé cinq longues années à écrire et à réfléchir après avoir connu beaucoup de tristesse, de vie et de perte. « Cet album peut être comparé à la transformation en papillon, ou au voyage d’une fleur », écrivait La Havas en juillet, « les saisons d’une relation vous changent et vous rendent plus fort quand vous finissez par sortir de l’autre côté ». Les chansons de cet album, le troisième et peut-être le meilleur de La Havas, montrent à quel point son art sophistiqué est fait non seulement de paroles brillamment écrites, mais aussi d’une riche musicalité, pleine de superbes voicings harmoniques, de rythmes entraînants et de mélodies soul. -Suraya Mohamed

Haim, Women In Music Pt. III

Columbia

Women In Music Pt. III

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Devenez assez gros et, pour le meilleur ou le pire, votre nom devient un raccourci. À un moment donné, la réputation de Haim (Californie ! soleil !) est devenue carrément réductrice, ignorant la nuance du catalogue des sœurs au profit d’une catégorisation facile. Mais sur le trio de singles de l’année dernière (« Summer Girl », « Now I’m In It » et « Hallelujah »), Danielle, Este et Alana ont lutté contre l’obscurité, abordant la dépression, l’anxiété, la maladie et la perte. De même, il n’y a pas beaucoup de soleil sur Women In Music Pt. III, qui se termine par ces premiers morceaux. Avec des influences musicales qui couvrent l’ensemble de la bande FM, il y a des nuits sans sommeil et des jours dépressifs, des rêves de quitter un amant et des cauchemars de s’installer dans la stabilité. Les relations sont mises à l’épreuve – « j’appelle juste pour voir si tu es debout » – au milieu de la nuit, et ce sont les lueurs de la lune à travers une fenêtre, et non les durs rayons du jour, qui éclairent finalement les complexités du partenariat. -Lyndsey McKenna

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