Los 50 mejores álbumes de 2020

Ilustración: Rae Pozdro para NPR
Los mejores álbumes de 2020 de NPR.'s Best Albums Of 2020.
Ilustración: Rae Pozdro para NPR

En ciertos momentos, 2020 se sintió como un año que podría no llegar nunca a su fin. Ahora que ya está en la retaguardia, ¿puede una retrospectiva dar forma a ese enjambre de semanas y meses? ¿Podemos dar sentido a las capas de miedo, rabia, frustración, confusión, alegría y agotamiento que se acumularon como la tierra que cae sobre nuestras cabezas? A veces el arte se abre paso. Es mejor pensar en la mejor música de 2020 como una cacofonía urgente de voces distintas en lugar de un coro con una única melodía. Muchas voces, con muchas historias que contar. Aquí están los 50 mejores álbumes de un año diferente a cualquier otro que podamos recordar. (Encuentra nuestra lista de las 100 mejores canciones de 2020 aquí.)

Los 50 mejores álbumes de 2020:
50-41 / 40-31 / 30-21 / 20-11 / 10-1

Victoria Monét, Jaguar
Tribu

Victoria Monét

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Aunque sus palabras han puesto banda sonora a la vida de los fans del pop durante años, Victoria Monét acaba de recibir su merecido. Esta joven de 27 años, con una lista de platino en la composición de canciones -es más conocida por ser una de las colaboradoras más cercanas de Ariana Grande-, por fin puede mostrar su fuerza artística en sus propios términos. Un lavado de vientos y una guitarra eléctrica colorean a Jaguar con un funk y una música disco muy agradables, mientras que Monét mantiene el ritmo con estribillos descarados y pausas elevadas. Con la ayuda de la producción profesional de D’Mile y lanzando alusiones indiferentes a los amantes del pasado, tanto hombres como mujeres, Monét aborda todas las bases de la lujuria, el amor y la nostalgia, al tiempo que mantiene su punto de vista y sus pensamientos sucios sin filtro. La canción más destacada del álbum, «Touch Me», es el epítome de la firma compositiva de Monét: chistes íntimos y dobles sentidos tentadores enroscados en una melodía fuera de lo común. Este es un espacio seguro. -Sidney Madden

Ambrose Akinmusire, on the tender spot of every calloused moment
Blue Note

en el punto más tierno de cada momento calloso

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¿Qué significa que el improvisado trompetista-compositor Ambrose Akinmusire se refiera a su último triunfo, en el punto tierno de cada momento calloso, como un álbum de blues? No se refiere a una forma de 12 compases ni a un género, sino a un punto de vista. Cada pieza de este trabajo dinámico y formalmente atrevido habla de la resistencia de la estética del blues, lo que el crítico cultural Albert Murray (inspirándose en Kenneth Burke) solía llamar «equipo para vivir». Además, Akinmusire ha elevado el nivel de su excepcional banda de trabajo, que cuenta con Sam Harris al piano, Harish Raghavan al bajo y Justin Brown a la batería. Su cohesión y elasticidad desinteresadas hablan de la tarea que tenemos por delante con no menos fuerza que el aleccionador paréntesis del tema de cierre de Akinmusire, un canto fúnebre que toca solo con el Fender Rhodes: «Procesión encapuchada (lee los nombres en voz alta)». -Nate Chinen (WBGO)

Código naranja, Underneath
Corredor de caminos

Code Orange

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Code Orange no se deja tumbar. Lanzado el 13 de marzo, apenas unos días después de que gran parte de Estados Unidos entrara en cuarentena, el metal líquido de Underneath puso banda sonora a una catarsis fundida de confusión y rabia. La banda redirigió su contundente energía hacia conciertos virtuales conceptual y visualmente densos, reflejando muchos de los temas que se encuentran dentro del caos desencadenado del álbum: relaciones tóxicas, inautenticidad e -irónicamente, trágicamente- aislamiento tecnológico. La actuación en directo es el campo de batalla de Code Orange, pero Underneath experimenta con las habilidades técnicas de los músicos como un proyecto de estudio sónicamente vívido. Cada textura viscosa, ritmo industrial de la caja de ritmos, avería glitched, bostezo gutural y riff demente – por no hablar de las exploraciones melódicas de mala leche – tiene su lugar en esta arquitectura cambiante. -Lars Gotrich

Maria Schneider Orchestra, Data Lords

ArtistShare

Maria Schneider Orchestra

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Tiene sentido que Data Lords no se escuche sin esfuerzo: toda la obra es, entre otras muchas cosas, una denuncia de la fría centralidad de la tecnología en nuestras vidas y de la «facilidad de acceso» a la cultura que ha convertido en un aparente derecho de nacimiento. En el estreno de la pieza que da título al álbum en 2016, Schneider explicó: «Mientras escribía, este sonido… estaba sintiendo esta especie de sonido seductor con esta intensidad por debajo… y empecé a sentir que se trataba de big data, seduciéndonos, hipnotizándonos con la belleza de simplemente tenerlo todo, mientras estas empresas de big data están recopilando información». Ese tumulto existencial se explora con agudeza y quizás un poco de incredulidad en la primera mitad del álbum, «The Digital World», y luego se iguala con el indulto pastoral de la segunda cara del álbum, «The Natural World». En una época en la que la información se acumula en forma de Babel, a menudo da la sensación de que la única forma de abrirse camino es escuchando. -Andrew Flanagan

Katie Pruitt, Expectativas
Redonda

Expectativas

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Una parte indispensable del crecimiento es ese momento en el que una nueva experiencia -una historia, una imagen, una persona- pone su primera grieta en los cimientos de tu visión del mundo. A lo largo de 10 temas, el álbum de debut de Katie Pruitt, Expectativas, es una excavación de todas esas fracturas y del entramado que dejan tras de sí. La cantante y compositora queer de 26 años deconstruye la idea de quién debería ser transmitida por su familia («Georgia»), su escuela católica («Loving Her»), Hollywood («Wishful Thinking») y el Sur («Normal»). Es mucho para meter en un solo álbum, pero hay una embriagadora sensación de impulso en estas canciones, lideradas por la voz diamantina de Pruitt, sus mordaces giros y sus magistrales arreglos. Al otro lado de las expectativas de todos, Pruitt emerge como la audaz autora de su propio futuro. -Cyrena Touros

Run The Jewels, RTJ4
Corredores de joyas

Run The Jewels

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RTJ4 abre dejándonos caer en medio de una zona de guerra de película de acción. Sobre una rotura de batería viciosamente distorsionada, «Yankee and the Brave» encuentra al dúo de Killer Mike y El-P fanfarroneando, presumiendo y haciendo sonar la alarma. A mitad de la canción, la narración muestra a Killer Mike en un enfrentamiento armado con la policía, tratando de decidir si se suicida o sale disparado. «Me queda una ronda, 100 policías fuera», rapea. «No puedo dejar que los cerdos me maten, tengo demasiado orgullo. Y lo digo en serio cuando lo digo, nunca me cojan vivo». Con sus ritmos pesados, su crudo sentido del humor y algunas destacadas apariciones de invitados (Gangsta Boo, 2 Chainz, Mavis Staples, Zack de la Rocha y otros), RTJ4 es una gran y ruidosa meditación sobre la brutal absurdidad de la vida americana, pintada con amplios trazos. -John Morrison (WXPN)

Dua Lipa, Future Nostalgia

Warner

Future Nostalgia

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La reverencia por un momento pasado que nos une está ahí, en el título del segundo álbum de Dua Lipa, el tipo de disco que un artista solo puede hacer una vez que la valoración histórica se convierte en una consideración legítima. ¿Cómo podríamos recordar Future Nostalgia una vez que hayamos establecido cierta bendita distancia con respecto a 2020? Qué tal esto: Una emocionante cascada de referencias expertamente manipuladas a 45 años de sonidos pop que no parece ni probada en el mercado ni maniática porque su creador las ha recopilado y ordenado con mucho cuidado. Como una de esas entradas de Wikipedia que es claramente el trabajo de un alegre obsesivo, Future Nostalgia es exactamente el tipo de producto supuestamente efímero que perdura porque consigue transmitir confianza, encanto, deleite y orgullo en su propia existencia. Atributos que hay que adorar en este y en cualquier año futuro en el que nos encontremos con ellos. -Jacob Ganz

Flo Milli, Ho, ¿por qué estás aquí?

RCA

Ho, ¿por qué estás aquí?

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Como una auténtica vanguardia viral de la Generación Z, Flo Milli no necesita mucho para impresionar. De hecho, en un ecosistema de rap sobresaturado, es la simplicidad lo que hace que el rapero de Mobile, Ala. destaque. Como el título retórico implica, el debut de Flo Milli en un gran sello, Ho, why is you here?, son 30 minutos de charla deslumbrante que eleva el ego. Desde su éxito «Beef FloMix» hasta «Pussycat Doll», la joven de 20 años rima sobre ritmos escasos -del tipo que podrías imitar fácilmente en la mesa de una cafetería- para que cada desprecio venenoso y superlativo brillante suene. La notable divergencia con respecto a su fórmula habitual es «Weak», una magistral oda de nueva generación al clásico de SWV de 1992 que da la vuelta al guión sobre los tipos débiles que hacen perder su tiempo y sus datos: «Mira, puedes seguir chuleando, ahora voy a saber que me echas de menos / Solías mandar un mensaje de «buenos días», ahora has dejado de ser inconsistente». Al igual que el latigazo de las cuerdas de doble dutch sobre el hormigón, la clave para que Flo Milli coja el ritmo es la precisión, el timing y, sobre todo, las agallas. Sólo falta que el impulso esté a la altura de su potencial. -Sidney Madden

Lianne La Havas, Lianne La Havas

Lianne La Havas

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Durante su adolescencia, Lianne La Havas solía escuchar a Radiohead en su reproductor MP3 con forma de riñón mientras se desplazaba por Londres. Más de una década después, hizo una versión de «Weird Fishes», del álbum In Rainbows de 2007 de la banda, en un solo día durante su primera sesión de grabación con su propia banda. Seis meses después, terminaron el resto del álbum. Un trabajo rápido, teniendo en cuenta que La Havas pasó cinco largos años escribiendo y reflexionando después de muchas tristezas, vivencias y pérdidas. «Este álbum puede compararse a convertirse en una mariposa, o al viaje de una flor», escribió La Havas en julio, «las estaciones de una relación te cambian y te hacen más fuerte cuando finalmente sales por el otro lado». Las canciones de este álbum, el tercero y tal vez el mejor de La Havas, revelan que su sofisticado arte está hecho no sólo de letras brillantemente elaboradas, sino de una rica musicalidad, llena de magníficos voicings armónicos, ritmos pegadizos y melodías conmovedoras. -Suraya Mohamed

Haim, Women In Music Pt. III

Columbia

Women In Music Pt. III

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Llega a ser lo suficientemente grande y, para bien o para mal, tu nombre se convierte en una abreviatura. En algún momento, la reputación de Haim (¡California! ¡sol!) se volvió francamente reductora, ignorando los matices del catálogo de las hermanas en favor de una fácil categorización. Pero en el trío de singles del año pasado («Summer Girl», «Now I’m In It» y «Hallelujah»), Danielle, Este y Alana lucharon contra la oscuridad, enfrentándose a la depresión, la ansiedad, la enfermedad y la pérdida. Del mismo modo, no hay mucho sol en Women In Music Pt. III, que concluye con esos primeros temas. Con influencias musicales que abarcan el dial de la FM, hay noches de insomnio y días depresivos, sueños de dejar a un amante y pesadillas de asentarse en la estabilidad. Las relaciones se ponen a prueba – «sólo llamo para ver si estás despierto»- en medio de la noche, y son los destellos de la luz de la luna a través de una ventana, y no los duros rayos del día, los que acaban por iluminar las complejidades de la pareja. -Lyndsey McKenna

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